Macbeth: Reinado de Sangue

Crítica

Tu serás rei, entoam as bruxas a frase que acenderá em Macbeth uma chama antes insuspeitada. O que seria desatino se dito ao vento torna-se sublinhado quando o corajoso soldado é avisado de que o rei gostaria de lhe agradecer os esforços prestados, nomeando-o Conde de Cawdor. Tendo sentidas desamarradas as cordas da ambição, Macbeth galgará uma dos mais famosos caminhos de ascensão e descida já conhecidos. Adaptado do clássico de William Shakespeare, Orson Welles leva o personagem às telas sete anos após a realização de Cidadão Kane (1941), sua obra-prima. A missão o cineasta, que encenou a trama junto a uma companhia de teatro antes de começar as filmagens, era provar a Hollywood o equívoco em considerá-lo um diretor perdulário e megalomaníaco - e, na esteira disso, livrar-se do peso de ter de entregar um Kane a cada produção.

Depois de levar o texto ao palco, Welles filmou a trama em menos de um mês, usando o mínimo de recursos possíveis, dispensando, inclusive, um nome de peso para o papel principal, que tomou para si. A limitação financeira é visível no filme. A depuração técnica dos cenários de outrora dá lugar à economia cenográfica. Os movimentos de câmera costumeiramente bem construídos são substituídos por um trabalho enxuto, de ângulos muitas vezes oblíquos. O espaço cênico acaba consideravelmente diminuído e alterado, fazendo com que  a perspectiva teatral ocupe o lugar da profundidade cinematográfica.

Há dois caminhos para levar uma peça teatral ao cinema. Fixar-se no conteúdo, interpretar e encenar cinematograficamente o texto, como fez Roman Polanski, em Deus da Carnificina (2011), ou fixar-se no conteúdo, reproduzir e encenar teatralmente o texto, como fez Alain Resnais, em Amar, Beber e Cantar (2014). A intuição de Orson para o métier, que o fez criar um grande filme com apenas 26 anos, sabia identificar a diferença entre os métodos, e como a primeira opção é a mais indicada. Por isso, o que temos no Macbeth de Welles é, apesar das limitações financeiras, um resultado de alto nível, conservando a beleza da história sem abrir mão de um fluxo propriamente cinematográfico.

Exemplo da consciência cinematográfica exercida pelo diretor em sua história está na divisão psicológica que permeia o filme. A drástica abertura das bruxas, citada no início, surge no prólogo do ato inicial de maneira a servir justamente para prender o espectador, que, dali em diante, seguirá junto ao Conde de Cawdor durante o calamitoso percurso da sua consciência. Ainda quando se dá o surgimento de Lady Macbeth (Jeanette Nolan, em atuação histriônica e sem grande brilho), propulsora dos mais íntimos desejos de poder do marido e responsável por adicionar novas cores de tensão, a trama desdobra-se esteticamente na preponderância de tons escuros e alto contraste, aplicados pelo  fotógrafo John Russell (Psicose, 1960), apenas em seu segundo trabalho. A força do primeiro ato é evidentemente rompida após a morte do rei Duncan. O registro fotográfico abranda e a narrativa, que havia iniciado e se mantido em alta por metade do filme, encontra os momentos mais irregulares.

Mesmo sendo a melhor adaptação de Macbeth no cinema, o resultado proporcionado pelo diretor estava longe de ser considerada uma obra nos moldes do que a indústria norte-americana esperava. Desta forma, a peça do bardo inglês (que ainda renderia Otelo, 1952, e Falstaff, 1965, nas mãos do diretor) selou a despedida de Orson Welles de Hollywood, iniciando nova trajetória em solo europeu.

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Willian Silveira

é crítico de cinema, membro da ACCIRS - Associação dos Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul, e da ABRACCINE - Associação Brasileira de Críticos de Cinema. Tem formação em Filosofia e em Letras, estudou cinema na Escola Técnica da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Acumulou experiências ao trabalhar como produtor, roteirista e assistente de direção de curtas-metragens.

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