White Eye

Crítica

Uma bicicleta. O curta-metragem gira literalmente em torno de uma bicicleta, presa com cadeado em frente a uma fábrica. Um rapaz acredita ter reencontrado o objeto que lhe foi roubado, e liga para a polícia na intenção de reaver sua propriedade. A priori, existem apenas cena, um espaço e um conflito. No entanto, é impressionante a capacidade do diretor e roteirista Tomer Shushan em expandir esta pequena fábula para discussões mais amplas. O ponto de partida banal se converte numa jornada tensa, próxima do suspense, onde se debate racismo, intolerância religiosa, xenofobia e desigualdade social na Israel contemporânea. A acusação de roubo recai sobre um imigrante negro; os policiais chamados para a ocorrência são religiosos ortodoxos; a patroa do trabalhador se envolve no caso, e os rapazes da oficina mecânica, também. Os filmes de vertente social costumam levar seus personagens ao mundo, confrontando-o às realidades alheias. Este projeto efetua o caminho inverso, fazendo com que os mais diversos grupos sociais venham até o cenário, afinal, ninguém pode perder a bicicleta de vista.

White Eye (2019) desperta atenção pela escolha da filmagem em plano-sequência. O complexo filme envolvendo uma dúzia de personagens se desenvolve num único plano, dentro do qual as pessoas entram e saem da fábrica, dão a volta no quarteirão, aproximam-se de uma e outra calçada, trancam-se em cômodos. Há muitas ações acontecendo em torno da bicicleta, como satélites orbitando ao redor de um sol – no caso, diversas facetas da humanidade confrontada ao direito à propriedade privada. O plano-sequência costuma carregar valor em si próprio, graças à impressão de dificuldade: a produção certamente exigiu intensa preparação da equipe para a coreografia da câmera e os ensaios para a entrada e saída de tantos personagens em cena. A imagem móvel, a partir de algum estabilizador de câmera, desliza sem percalços pelos arredores, subindo e descendo escadas, acelerando e retardando o fluxo contínuo do personagem principal. Observamos o pequeno incidente pelos olhos perplexos do rapaz que perde o controle da disputa iniciada por si próprio. Após chamar as autoridades locais, sua voz deixa de ser escutada. Neste contexto, a imagem contínua serve para ressaltar tanto o sentimento de urgência e de tempo real quanto a imobilidade do objeto ao centro da trama.

No entanto, as consequências do plano-sequência vão além do jogo técnico. O filme subverte a noção de cena ao privilegiar um palco circular em 360º, onde todos os lados estão expostos e fazem parte da narrativa simultaneamente. Não há coxia nem hors champs, ou seja, espaço fora do quadro. Personagens irrompem e abandonam a imagem, porém se encontravam em cena mesmo quando o enquadramento se focava em outro grupo. O recurso da imagem contínua costuma ser considerado como a antítese do teatro, pela possibilidade de deslocamento e de imersão no real a partir de diversos ângulos. No entanto, a disposição de uma dúzia de figuras sobre uma única esquina se assemelha a um grande palco/galpão, onde cada dupla ou trio é solicitada a atuar em instantes sucessivos. A direção decupa ao longo do plano, fechando-se nos rostos ou abrindo o quadro por completo, permitindo ao espectador enxergar tudo o que ocorre na profundidade de campo infinita. O efeito se assemelha a diferentes focos de luz teatral se acendendo e apagando sobre os personagens, enquanto os outros seguem atuando ao lado, no escuro. Em paralelo, o dispositivo fornece a impressão de verdade: colocado em posição de juiz onisciente, o espectador assiste a todas as interações. Há novas ações no fundo do plano (a discoteca, a chegada do mecânico) e sugestões em camadas distintas da imagem.

Apesar da escolha fascinante de mise en scène, White Eye desperta receios quanto à escolha do protagonista. Por que situar a trama inteiramente do ponto de vista do proprietário da bicicleta, branco e de classe média, ao invés de equilibrar o olhar com o principal acusado, o trabalhador eritreu? A tendência de transformar o israelense na verdadeira vítima do caso enfraqueceria o curta-metragem, que felizmente estabelece suas prioridades rumo ao final, evitando resumir o homem negro a um mero estudo de caso. O pequeno momento em que a câmera abandona o dono da bicicleta para se focar no adversário constitui um movimento essencial rumo ao debate político plural. O resultado evita as boas intenções e também as tendências conciliatórias do cinema comercial, ao encontrar um destino tragicômico ao símbolo inicial da bicicleta. Quando a imagem enfim abre mão do protagonista, misto de herói e anti-herói, ela transfere esta dubiedade à bicicleta que não pertence mais a nenhum dos homens. O curta-metragem se transforma numa bela fábula sobre pessoas engolidas por um sistema de justiça desigual e preconceituoso.

Filme visto online na 30ª edição do Festival Curta Cinema, em março de 2021.

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Bruno Carmelo

Crítico de cinema desde 2004, membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema). Mestre em teoria de cinema pela Universidade Sorbonne Nouvelle - Paris III. Passagem por veículos como AdoroCinema, Le Monde Diplomatique Brasil e Rua - Revista Universitária do Audiovisual. Professor de cursos sobre o audiovisual e autor de artigos sobre o cinema. Editor do Papo de Cinema.

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