Acqua Movie

Crítica

Acqua Movie se inicia com barulho de água, imagens de água, e uma narração explicando as maravilhas e segredos das águas. O roteiro logo incorpora o surfe, a chuva, o chuveiro, os lagos, as represas, as cisternas, as garrafas d’água. Para este spin-off de Árido Movie (2005), o diretor Lírio Ferreira propõe um projeto que, ao invés de derivar do original, soa como uma releitura do filme anterior. Em sua estrutura, apresenta novamente a viagem ao sertão nordestino devido à morte do pai, com a presença de uma cineasta (Alessandra Negrini, em personagem análoga à de Giulia Gam) e uma travessia de gêneros pelo Brasil profundo. Substitui-se a aridez pela água, mas preserva-se a perigosa família de Jonas (Guilherme Weber) no vilarejo de Rocha.

Apesar da curiosa irmandade entre as duas obras, o filme de 2019 chama mais atenção por sua estética do que pela narrativa. A direção de fotografia, em especial, adota escolhas ambíguas entre a ousadia voluntária e a produção problemática: luz estourada nas cenas externas, pouco relevo nas internas noturnas, iluminações desiguais dentro da mesma cena (a ameaça no restaurante), imagens de baixa qualidade (o sobrevoo do drone pela represa). Algumas cores e luzes parecem modificadas na pós-produção, incluindo o uso de um artificial HDR. Os enquadramentos às vezes fazem contorcionismos artificiais para incluir, no mesmo quadro, a mãe e o filho. A fotografia deixa a impressão de ter sido resolvida cena a cena, o que resulta num produto pouco coeso.

O mesmo pode ser dito do trabalho de som, estourando os gritos na briga de Cícero e Alma e retratando o eco dos espaços fechados, além da montagem excessivamente fragmentada durante conversas simples. Talvez a intenção tenha sido resgatar o aspecto febril de Árido Movie, mas alguns floreios da imagem (a sequência de pesadelo na casa de Múcio, por exemplo) beiram a aleatoriedade dentro do projeto como um todo. Sempre que o roteiro investe na comovente reaproximação entre mãe e filho, algum aspecto da produção rompe o pacto da verossimilhança ao chamar atenção para si própria e suas deficiências (o quadro de Múcio no escritório, o plano próximo da garrafa d’água). Existe um conflito entre o cinema naturalista, com vocação a acompanhar seu personagem numa trajetória de descoberta, e uma inconsequência estética que lutam um contra a outra durante toda a projeção.

Ao menos, o aspecto humano preserva a coerência do início ao fim. Por mais previsível que seja a aproximação entre Alma e o garoto Cícero, e mesmo que se aponte as falas pouco naturais para este último, Acqua Movie toma o tempo de abordar os traumas de cada um deles, criando pequenos símbolos de intimidade (o canivete, o bode comendo um caderno) que o cineasta divide com o espectador, em toda cumplicidade. A questão indígena torna-se o centro deste embate, quando o coronel ameaçador (Augusto Madeira, sempre excelente em cena) enfrenta a artista defensora das comunidades indígenas. Obviamente, o discurso se tornaria muito mais forte caso os índios ganhassem protagonismo e falassem por si próprios, ao invés de serem retratados como coadjuvantes ou objetos de estudo (vide a fala de um índio, gravada por Alma no celular). Mas no Brasil atual, o tema serve como representação de uma nação dividida entre os valores do humanismo e da propriedade privada.

Como se percebe, não faltam boas intenções ao projeto, tão numerosas quanto suas fragilidades. Uma cena de morte, fundamental dentro da saga Árido Movie – Acqua Movie, é retratada com tanta leveza que prejudica o seu valor dentro da narrativa expandida das duas obras. Enquanto atravessa o drama, a comédia, o road movie, o suspense potencialmente sangrento e a denúncia social, a produção se perde, se reencontra, bifurca seus caminhos e permite ao espectador uma viagem tão errática quanto aquela de seus personagens. Algumas cenas, pertinentes enquanto alegoria (o papel dos capangas de Múcio), soam exageradas dentro do realismo; enquanto outras, comoventes dentro da chave do realismo (mãe e filho passando protetor solar ou colocando um esparadrapo no pé), tornam-se menos verossímeis devido à fotografia opaca. Cada elemento encontra seu oposto e se ressignifica dentro de uma produção com aparência apressada, de aparência ainda não finalizada. Mesmo assim, serve para demonstrar como a estrutura apresentada quatorze anos atrás dialoga tão bem com a política de 2019, expondo os pedaços de um país fragmentado e tentando remendá-los através da ficção.

Filme visto na 43ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em outubro de 2019.

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Bruno Carmelo

Crítico de cinema desde 2004, membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema). Mestre em teoria de cinema pela Universidade Sorbonne Nouvelle - Paris III. Passagem por veículos como AdoroCinema, Le Monde Diplomatique Brasil e Rua - Revista Universitária do Audiovisual. Professor de cursos sobre o audiovisual e autor de artigos sobre o cinema. Editor do Papo de Cinema.

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